Jóias na Antiga China

Pendentes em Jade
Foto British Museum

As antigas jóias chinesas possuíam uma grande variedade de formas e a maneira como homens e mulheres as utilizavam se relacionava diretamente com as intrincadas convenções de etiqueta social e o senso estético da sociedade chinesa durante os períodos que compreendem as dinastias Xia (2003 – 1562 AC) e Ming (1368- 1644 BC). As jóias eram usadas para ornamentar cabeça, orelhas, pescoço, peito, mãos, pés e até templos e podiam ser feitas em ouro, prata, ferro e bronze. As gemas preferidas eram o jade e a turquesa.

Na antiga sociedade imperial chinesa, os penteados e ornamentos de cabeça determinavam o status social de que os portava. A simetria era de vital importância para um perfeito adorno capilar - que combinava o penteado com as jóias escolhidas - e era até mais considerado do que o próprio valor das jóias em si. Em geral, o design das peças refletia a arquitetura da época, que utilizava a repetição de elementos ou grupos de elementos para conseguir pureza estética e equilíbrio. Assim, não somente as jóias e o penteado confirmavam o status social, mas também contribuíam de forma inequívoca para que a pessoa se tornasse visualmente um perfeito sistema estético.

As jóias mais populares do período imperial chinês foram os brincos. Estes tinham formas e estilos extremamente variados, sendo a arquitetura a principal fonte de inspiração, mais até do que a natureza.

Os ornamentos de pescoço incluíam colares, torcs (colares geralmente rígidos e usados próximos ao pescoço por proteção, compostos quase sempre por fios de ouro retorcidos; representavam riqueza, poder e coragem e também eram usados pelos homens em batalhas para demonstrar grau de comando; em geral tinham as suas extremidades decoradas com figuras zoomórficas (o dragão e o leão eram os prediletos) e peitorais. Algumas dessas jóias tinham somente uma função ornamental, enquanto que outras possuíam funções mágicas ou utilitárias.

Os peitorais eram outro tipo de adorno para pescoço e nas dinastias mais antigas eram compostos de correntes com um camafeu no centro. Mais tarde tomaram a forma de um disco chato, possivelmente inspirados em moedas, já que peitorais mais recentes, em forma de disco, possuem moedas na sua composição. Eram usados por membros da classe mais alta e em estátuas ou pinturas que representavam deuses.

Os braceletes também eram adornos populares e eram confeccionados geralmente em formas triangulares e circulares. Podiam ser maciços ou ocos e às vezes possuíam extremidades zoomórficas e eram usados por homens e mulheres igualmente, podendo ser em pares ou uma só peça. Existiam também os braceletes para tornozelos e seu design mais popular continha as duas extremidades da cobra, símbolo da força vital para os chineses.

Os anéis serviam para adornar ou cumprir funções, como atuar como selo, e eram confeccionados em secção triangular, circular, oval ou chata. As imagens representadas podiam ser zoomórficas ou antropomórficas, sendo as zoomórficas as preferidas. Também era muito comum o anel em forma de cone que vestia o dedo inteiro e possuía uma ponta bem afiada. Na classe mais alta era usado em todos os dedos das mãos.

Técnicas Decorativas Dos Antigos Romanos

Retrato de Augusto em camafeu
Foto British Museum

A joalheria clássica romana era naturalista e figurativa, ora confeccionada em linhas planas e simples, ora em elaborados motivos florais. Em geral, os artesãos e ourives romanos não eram tão sofisticados ou ambiciosos quanto seus colegas gregos: a jóia romana era mais realista, naturalista e figurativa, ora confeccionada em linhas planas e simples, ora em elaborados motivos florais. Ainda assim, evidências de jóias requintadas sobreviveram.

O design romano utilizava as técnicas da granulação e da filigrana, mas o uso de esmaltes não era tão comum. Raramente existia somente um elemento de estilo na decoração de uma jóia: por exemplo, as superfícies em forma de domos (características das jóias etruscas) encontradas em brincos e braceletes conviviam perfeitamente com influências helênicas como a técnica da policromia (consistia em folhear uma superfície de madeira com folhas de ouro, às quais eram depois aplicados esmaltes).

Por volta de 200 DC aparece o opus interrasile, técnica de perfurar sólidas folhas de metal para criar um trabalho decorativo e que mudou a face das jóias do Período Imperial. O intaglio (técnica que consistia em entalhar a gema de maneira a formar um desenho em baixo-relevo) era muito utilizado na decoração de gemas e estas em geral eram lapidadas em cabochon (lapidação que deixa a superfície da gema lisa e em forma de domo). O niello (técnica decorativa em que uma composição de sulfetos metálicos negros cria um contraste entre o ouro e a prata) também era muito usado para decorar jóias.

Uma influência do comércio existente durante o período da Roma Imperial foi a predileção por jóias onde várias gemas coloridas decoravam uma mesma peça – os romanos amavam o rubi, a ágata, a granada, o lápis-lazúli, os corais rosa e vermelho encontrados no mar Mediterrâneo e o âmbar, encontrado nas águas frias dos mares do Norte e Báltico. O camafeu era adorado e as pérolas podiam ser usadas em tiaras usadas para adornar os altos penteados das ricas matronas romanas.

A joalheria romana sofreu uma vasta influência, não só dos etruscos, dos gregos e dos povos pertencentes à cultura helênica, mas também das culturas micênica, minóica e egípcia.

Joalheria Etrusca

Foto British Museum

De acordo com o historiador grego Heródoto, os etruscos chegaram à Península Itálica vindos da Ásia Menor. De acordo com outros historiadores antigos, teriam vindo da Europa Central, mas historiadores e pesquisadores modernos chegaram à conclusão de que a civilização etrusca foi formada através da gradual aproximação entre os aglomerados humanos que viviam entre os rios Pó e Arno, sobrepondo-se à chamada Cultura Villanova (estágio de cultura mais antigo, durante a Idade do Ferro, existente nas regiões central e norte da Itália). A história dos etruscos pode ser situada na Idade do Ferro européia, entre os séculos IX e III AC, sendo o apogeu da cultura por volta de 700 a 500 AC.

Os etruscos tinham grande habilidade naval e realizaram trocas comerciais com todas as culturas banhadas pelo mar Mediterrâneo, absorvendo elementos de diferentes culturas como a grega, a síria e a egípcia, além das culturas da Península Itálica.

Ao fabricar suas jóias, os ourives etruscos usavam uma liga de ouro e cobre, obtendo algo perto do que hoje é conhecido como ouro 18k. E para a moldagem de peças e/ou detalhes utilizaram moldes feitos de pedras escavadas.

Poucas jóias sobreviveram até nossos dias do período final da Cultura Villanova, onde começava já a existir os primórdios da civilização etrusca. São jóias mais modestas do que luxuosas, mas que já evidenciam a grande preocupação dos ourives etruscos coma decoração das jóias. As jóias eram para os etruscos, assim como para a maioria das culturas, inclusive em nossos dias, símbolo de riqueza, status social e poder. Os padrões decorativos observados nas jóias deste período são elementos verticais e horizontais formando zigzags, triângulos e suásticas.

A partir do período da civilização etrusca em que passaram a ocorrer trocas comerciais com culturas orientais, nota-se um grande incremento nas técnicas de fabricação e decoração das jóias. Desenhos geométricos se repetiam em padrões, numa “orientalização geométrica”.

A técnica decorativa pela qual os etruscos ficaram conhecidos, devido a sua maestria, é a granulação, mas foram ourives sírios e fenícios que trouxeram e ensinaram aos ourives etruscos esta arte, assim como a técnica da filigrana. Porém, foram os etruscos que a desenvolveram ao máximo, a ponto de somente no século XIX, com as pesquisas do joalheiro Fortunato Castellani (1793- 1865), ter sido descoberto como os ourives etruscos conseguiam fabricar e soldar minúsculas bolinhas de ouro à peça, com objetivos decorativos.

As técnicas da filigrana e do repoussé, muito usadas pelos etruscos para criar delicadamente belos e intricados motivos decorativos, também não foram por eles inventadas, mas vindas do Oriente. Estima-se que foi durante o III milênio AC que as técnicas decorativas da granulação, da filigrana e do repoussé foram criadas, mas sem dúvida foram os etruscos que as refinaram. E o mais incrível é que somente dispondo de ferramentas simples, nada sofisticadas.

Van Cleef & Arpels e a Técnica da Cravação Misteriosa

Foto e Jóia Van Cleef & Arpels

Em fins da década de 1920, os joalheiros parisienses começaram a mudar seus conceitos a respeito do design na joalheria. Esta mudança começou a partir da Exposição de Artes Decorativas e Industriais acontecida na Paris de 1925. O estilo Arte Decó que emergiu das transformações sociais, industriais e comerciais ocorridas nas duas primeiras décadas do século XX era um estilo de design angular e arquitetural, que podia ser retilíneo ou curvilíneo, sempre utilizando formas geométricas como linhas retas, círculos, quadrados, retângulos e triângulos.

Uma técnica essencial para o design de uma jóia tornou-se um ícone do período e permanece popular até nossos dias: a chamada cravação invisível. Esta técnica de cravar gemas se originou do desejo dos joalheiros de que as gemas tivessem o máximo de visibilidade nas jóias, sem a interferência do metal precioso. Três joalheiros conseguiram alcançar a perfeição neste tipo de cravação, mas só Van Cleef & Arpels tornou-se sinônimo da mesma.

Em 1929, o joalheiro parisiense Jacques-Albert Algier desenvolveu e patenteou um método de segurar a gema na jóia sem garras de metal precioso ou qualquer outro tipo de recurso que mostrasse o metal em meio às gemas. Algier conseguiu isso esculpindo sulcos em lados opostos de cada gema e usando diminutos trilhos feitos no metal precioso para a colocação da gema na jóia. Assim, cada gema era cravada lado a lado com outra, efetivamente mascarando o metal, conseguindo um efeito visual delicado parecido com uma fita.

Próximo ao método criado por Algier estava a Maison Cartier em 1933. Mas em vez de incorporar a nova técnica de cravação ao design da Maison, a Cartier, provavelmente por já estar fazendo enorme sucesso com suas jóias multicoloridas chamadas de “tutti-frutti” ou as de estilo Art Decó, seus famosos “relógios misteriosos” e com sua linha de objetos de arte com inspiração no antigo Egito, não deu grande importância a nova técnica.

Mas ao contrário da Cartier, sua concorrente e competidora na parisiense Place Vendôme Van Cleef & Arpels, não relutou em abraçar a nova técnica e usar todos os recursos disponíveis para chegar à perfeição da mesma.

Foram os irmãos Charles e Julien Arpels os fundadores da Maison em 1906, junto com seu primo e cunhado Alfred Van Cleef. O outro irmão Arpels, Louis, juntou-se aos demais seis anos depois. Julien era especialista em gemas, Alfred um excelente lapidário e Louis e Charles eram competentes comerciantes que usavam grandes doses de charme para seduzir clientes da alta-sociedade européia. Esta combinação de talentos foi a chave para o sucesso da Maison que, no entanto, não chegou tão rápido.

Em meados da década de 1920, a Van Cleef & Arpels (VCA) ainda estava tentando se estabelecer com estrela no mercado da joalheria de luxo parisiense. O reconhecimento, e com ele o sucesso e as encomendas de clientes da alta-sociedade européia e norte-americana veio com a exposição de 1925, onde a Maison arrematou o “Grand Prix” com um bracelete cujo design era um ramalhete de rosas feitas de rubis e diamantes, com a folhagem em esmeraldas. Em dezembro de 1933, nove meses depois da Cartier, a Maison registrou sua técnica de cravação invisível, que recebeu o nome de “serti mysterieux”, ou cravação misteriosa.

Uma das dificuldades da técnica patenteada pela VCA era a necessidade imperiosa de escavar sulcos precisamente iguais nos lados opostos de cada gema. Para conseguir, usavam lâminas serrilhadas feitas de seda endurecida, recobertas com pó de diamantes. Muitas gemas foram quebradas durante o processo da escavação dos sulcos. Claramente, isso aumentava as despesas, e conseqüentemente o valor final da jóia, já que cada gema quebrada, como um rubi da Birmânia (atual Mianmar), por exemplo, tinha que ser reposta por outra exatamente igual. Em algumas das peças mais importantes da Maison foram utilizadas centenas de gemas, e meses de trabalho manual extenuante. As primeiras jóias com a técnica da cravação invisível usaram o que foi chamado de “trilhos em T”: a gema, com os sulcos esculpidos, era pressionada para encaixar nos trilhos feitos no metal precioso. Outra maneira, também bastante trabalhosa, era colocar as gemas em uma espécie de grade de ouro e então as colocar uma a uma no lugar por meio de fios lisos e chatos de ouro que eram passados pelos sulcos nas mesmas. É claro que cada gema tinha não somente que ter seus sulcos escavados nos lugares necessários, mas também ser facetada perfeitamente de forma a ocupar sua posição ao lado de outra gema, concorrendo para a beleza do design escolhido. Era imperativo que o lapidário trabalhasse lado a lado com o ourives.

As jóias com a técnica “serti mysterieux” foram um imenso sucesso, e por duas décadas a Van Cleef & Arpels produziu e vendeu um grande número de jóias decoradas com gemas em cravação invisível. No entanto, com as mudanças de estilo da década de 50 do século passado, a cravação invisível perdeu muito do seu apelo, retornando somente em meados dos anos 80.

Desde então, a cravação invisível tem sido uma grande responsável pela composição de maravilhosos designs na joalheria, graças a novas técnicas de fabricação de jóias que utilizam materiais como titânio e cerâmica, além de ferramentas a laser. A maioria das jóias nas quais foi e é utilizada a técnica da cravação invisível contém, por exemplo, diamantes cujo tamanho varia de 1,4 mm a 3,5 mm, o que significa aproximadamente gemas entre 0,01 e 0,16 quilates. No mercado joalheiro mundial, diamantes entre 1,4 mm e 1,8 mm são considerados gemas pequenas, os que variam entre 1,9 mm e 2,5 mm são diamantes médios e, entre 2,7 mm e 3,5 mm, diamantes grandes.

Em fevereiro de 2006, a Van Cleef & Arpels lançou no Mercado, junto com a Montblanc, a caneta mais cara e luxuosa do mundo, chamada apropriadamente de “Mystery Marterpiece”, como parte das comemorações pelo centenário de ambas as marcas.

Cada caneta tem seu corpo em ouro branco, adornado por safiras, esmeraldas ou rubis (foram feitos somente três exemplares com cada gema), e com 840 diamantes acentuando o luxo da peça. Todas as gemas foram cravadas com uma nova variação do método da cravação misteriosa. Esta variação esconde completamente o metal precioso usado para segurar a gema na peça, e o resultado é a ilusão de que as gemas “flutuam” na superfície da caneta. A tampa possui a estrela, marca registrada da Montblanc, cravejada de diamantes redondos enquanto que uma borboleta em ouro branco com diamantes repousa sobre o clip. Somente nove exemplares foram produzidos. Lançada através de uma espetacular campanha de marketing, cada caneta foi colocada à venda por 730.000 dólares, nas principais lojas Van Cleef & Arpels e Montblanc.

Foto e Caneta : Montblanc e Van Cleef & Arpels

A Coleção Campana

Fotos Erich Lessing Museu do Louvre Giovanni Pietro Campana (1808-1880), nascido em uma família nobre de Áquila, Itália, começou cedo a colecionar objetos antigos, adicionando-os aos que havia herdado de seu pai e de seu avô. Bronzes, pinturas, antigas estátuas, moedas e medalhões faziam parte da sua coleção desde o início. Em 1831, Campana passou a fazer parte da instituição ligada ao Vaticano chamada Monte di Pietá, e dois anos depois tornou-se seu diretor. Administrador, colecionador, negociante de antiguidades e arqueólogo, empreendeu inúmeras escavações em Roma e em regiões próximas a esta. Com as peças encontradas nos sítios arqueológicos (em terras próprias ou em terras de pessoas a ele relacionadas), montou uma vasta coleção particular, apreciada em toda a Europa. A coleção estava distribuída por vários locais em Roma, na sua villa em Laterano, na Monte di Pietá, em armazéns e guardada por colegas negociantes de antiguidades. Foi Giovanni Pietro Campana quem incentivou, em meados do século XIX, o interesse pelas jóias antigas, até então um pouco negligenciadas pela predileção pelas esculturas, bronzes, cerâmicas e pinturas encontradas em escavações arqueológicas. Em 1851, Campana casou-se com a inglesa Emily Rowles, cuja família tinha conexões com o príncipe Luís Napoleão, logo Napoleão III da França. Na sua principal residência em Roma, o palácio Campana perto da Piazza del Poppolo abrigava o melhor da sua vasta coleção, ao ponto desta ser mencionada por especialistas da época como superior à coleção do Museu Gregoriano do Vaticano. Num dramático e estranho reverso da Roda da Fortuna, Giovanni Pietro foi preso em 1857, acusado de apropriação indébita de bens públicos, processado pelo Vaticano e condenado a 20 anos de prisão, comutados depois em exílio pelo papa, graças às interferências de vários amigos influentes. Sua coleção foi seqüestrada pelo Vaticano e várias partes dela foram parar em museus como o Hermitage de São Petersburgo, o Victoria and Albert de Londres e o Metropolitan de Nova York. Após a reunificação da Itália, Campana retornou a Roma. Morreu em 1880, após tentar sem sucesso que o Vaticano o reembolsasse pela venda das peças da sua coleção. A parte da Coleção Campana que diz respeito às jóias antigas foi comprada quase completa pelo governo francês em 1861, e consiste na sua quase totalidade por peças etruscas, gregas e romanas. A Coleção Campana encontra-se no museu do Louvre, em Paris, e forma a maior parte das peças em ouro do Departamento de Antiguidades Gregas, Etruscas e Romanas do museu parisiense.